¿Por que tanto Iron Maiden?

¡Ah! ¿Que si Por que tanto material de Iron Maiden y de los ochentas?
¿Que si por que tan largos los posts?
Por 3 razones...
La primera es que me da la gana: "Y ultimadamente, publicare aquello que se me venga en gana... " :) y siendo asi las siguientes salen sobrando...
No, no quiero leerme asi de mamilas.

Sobre el largo del texto de los posts, esto obedece simplemente al criterio de que cada album es una manifestacion artistica que en si misma es una obra de genio que marca y prevalece en el tiempo y por lo tanto merece una reseña tan extensa como lo amerite.
En cuanto a la periodicidad de los posts, la verdad es que el blog establece claramente: "El blog los grandes grupos que marcaron epoca en el rock a partir de los 70's", sin embargo, hay una razon mas poderosa:

La historia registrada de la humanidad está trazada con grandes obras que han marcado los últimos 5000 años, más o menos. Desde los registros mas antiguos a las relativamente modernas producciones de Platón, Cervantes, Shakespeare y muchos otros, la literatura está plagada de obras maestras que han definido nuestra cultura.
La música es una forma relativamente reciente de arte, a pesar de que sus primeras manifestaciones han estado probablemente en existencia desde que nuestros antepasados comenzaron caminar erectos y fabricar herramientas.
Beethoven, Mozart y otros genios son aún son escuchados más de 200 años después de su muerte y los diversos aspectos de Rock, una forma bastante reciente de música, aunque en constante evolución y producción de nuevas composiciones, es muy posible que sea escuchada muchos años despues de que ya no estemos aqui.
¿Por qué este paralelismo entre la literatura y la música de Iron Maiden?

Sencillamente porque Iron Maiden ha realizado la proeza de asociar estas dos formas de arte con éxito.

A lo largo de su extensa produccion discografica podemos apreciar como personajes de la Historia y de la Literatura, son algunos de los elementos que aparecen en los temas de Iron Maiden, asi como tambien aparecen cubiertos por supuesto historias de horror, Religion, filmes y mas recientemente canciones con un enfoque psicologico.
Las tribus de Norteamerica, Alejandro Magno, la Epoca Medieval, Roma, las 2 Guerras Mundiales, son solo algunos de los temas cubiertos en las canciones de Iron Maiden.

En una época en que la mayor parte de la cultura y la historia está siendo ignoradas - y, a veces, incluso activamente suprimidas o modificadas de la conciencia del mundo - la música de Iron Maiden puede ser un soporte para aumentar el interés de las personas hacia los logros de nuestros antepasados y los eventos de ese pasado.
La historia se repite sobre todo porque se está descuidando. Del mismo modo, las personas pierden su capacidad crítica por tener muy poco - si alguno - contacto con las obras de los pensadores que se supone han dejado el legado de sus pensamientos a las generaciones futuras.

La mente escéptica y la aptitud para formar los pensamientos y opiniones propios se perdieron poco a poco en favor de entretenimiento sin sentido que tienden a provocar que los seres humanos se comportan gregariamente y, por tanto, sean más fáciles de manipular.
Ahi es donde las composiciones de Maiden pueden actuar como puerta de entrada a la Historia y la Literatura a aquellos que de otra manera pueden encontrar estas aburridas. Al descubrir las obras y la vida de algunos personajes históricos, puede resultar en que esten de acuerdo o en desacuerdo con sus postulados y, a largo plazo, adoptar esta actitud crítica a los aspectos de la vida.

Las Artes plásticas también pueden ser incluidas en este enfoque, ya que la banda le debe mucho a la genialidad del maestro Derek Riggs quien ha diseñado la mayor parte de sus álbums y cubiertas.

¿Satanismo? Pues.. yo creo que el grupo tiene de satanista lo que yo de bailarin de ballet...

Esta musica debe escucharse con atencion, haciendo a un lado prejuicios y abriendose mentalmente a sus sonicas epicas desarrolladas de una manera como solo Zeppelin lo hizo en el pasado. Todo lo demas es parte de una parafarnalia genial desarrollada para dotar de imagen e identidad muy unicas a Iron Maiden.

Creo que esta claro me gusta Iron Maiden.

Lee mis posts sobre Iron Maiden aqui.

Iron Maiden Seventh Son of a Seventh Son

Impresionante. La obra maestra de Iron Maiden. Uno se sigue quedando sin palabras 20 años después. La majestuosidad, la épica, el feeling, la maestra perfección, el altísimo nivel en todo momento... Este álbum representa todo eso y más. Muchos lo criticaron en su momento, por varios motivos: Porque hubo quien dijo (en un ejercicio de infinita simplonería) que Iron Maiden "se habían ablandado", porque fue el primer álbum de Maiden en incluir teclados, porque las canciones no iban a mil por hora... en fin, que cuando falta apertura mental los árboles no dejan ver el bosque.

Y es que Seventh Son Of A Seventh Son es, sin duda, una de las más sublimes obras maestras (tal vez la más) del catálogo de la legendaria banda británica, de la decada de los 80's, y del Rock y la buena música en general.

Veamos:
Año 1988, el hard rock se hallaba en su apogeo y el Heavy Metal empezaba a caer en una espiral de aburrimiento, la grandes bandas se volvían repetitivas y solo las que le imprimían novedad a su trabajo se mantenían en el tiempo, este es el caso exacto de lo que ocurría con Iron Maiden en esa época. Los ingleses eran una banda que había establecido standards a la hora de hacer música y ahora los quería cambiar, el resultado de ese cambio se llamó Seventh Son of a Seventh Son.


Desde su gran disco de 1986 Somewhere in Time el sonido de Iron Maiden era distinto, el uso de guitarras sintetizadas, la estética futurista usada en ese disco y el sonido un poco menos rabioso en algunas canciones de la banda, habían llevado el sonido Maiden al próximo nivel, en Seventh Son of a Seventh Son sencillamente decidieron llevarlo al máximo este álbum que mas que un disco es una obra del arte, salida de las mentes mas prolíficas del heavy metal universal: Steve Harris y Bruce Dickinson.

Se trata de un álbum temático que rescata la leyenda medieval del Séptimo hijo de un Séptimo hijo varón, que tendría poderes mágicos cómo la clarividencia y otras artes de este tipo.
Cada canción relata un tramo de la vida de este personaje, desde el nacimiento (Moonchild), el descubrimiento de sus poderes y su destino (Can I Play With Madness) y su inminente muerte (Only The Good Die Young).


La grandeza de un álbum de rock se nota con el paso de los años; mientras mas tiempo transcurre para una produccion mas te puedes dar cuenta de cómo ese sonido ha influenciado a muchos otros en la música, y lo mas importante, cuando comparas el sonido de un trabajo de hace 20 años, con lo que suena en la actualidad y no percibes grandes diferencias en el sonido, la estructura de la canciones y el manejo de la instrumentación puedes asegurar que estas frente a un disco que en su momento fue un adelanto a su tiempo, algo que nadie o pocos habían logrado hasta el momento; eso es en esencia este hermoso disco de heavy metal.


Publicado el 11 de abril de 1988, Seventh Son of a Seventh Son llego al numero uno de las listas inglesas y al doce del Billboard americano, del mismo fueron extraídos tres singles: Can't I Play with Madness, The Evil that Men Do y The Clairvoyant. Recuerdo que al escuchar Can't I Play with Madness decían que la banda se habían vendido, que se habían lanzado a lo “comercial”, el tiempo demostró que nada de esto era cierto, solo fue un tema sencillo, accesible y gran trampolín hacia lo exitoso que fue este disco y su posterior gira. Notables son los musicos que experimentan y estan dispuestos a arriesgar.


También se habló en su momento del uso excesivo de lo teclados en este trabajo, en la época era casi un pecado que una banda de metal usara keyboards, eso tampoco paso de ser comentarios de metaleros radicales, la parte electrónica esta muy bien usada en esta gran grabación dándole un ambiente refinado a un disco que extrañamente te puede sorprender por su musicalidad.


Las guitarras de Dave Murray y Adrian Smith están soberbias en todo momento. Su sonido es fácilmente reconocible, porque es el de siempre, pero ha ganado muchísimo con el paso de los años y los discos. Ese sonido es otro de los factores esenciales a la hora de hacer del sonido de Iron Maiden algo duro y dulce a la vez. Porque así suenan exactamente. Desprenden la agresividad del Metal por los cuatro puntos cardinales, pero también la pureza del Blues.


Liricamente, el album se centra alrededor de algunas ideas filosoficas principales: moralidad (el mal y el bien), misticismo, vision profetica, reencarnacion y la vida despues de la muerte. Casi todo el album incluye referencias directas o indirectas a preguntas acerca de estos conceptos y poeticamente hace referencia a las respuestas.


MoonChild, basado en el ritual Liber Samekh por Aleister Crowley. El ritual se describe como aquel utilizado por la Bestia (Crowley) para el logro de conocimiento y conservación de su Guardián santo. El camino de Samekh es emprendido cuando los sueños y las ideas comienzan a armonizarse conscientemente. Algunas de las letras de Moonchild son sumamente similares a aquéllas en el ritual.
Es un perfecto tema abridor para el album con un sintetizador un poco pesado al inicio.

Infinite Dreams detalla cómo una persona es atormentada con sueños y pesadillas paranormales, explora el tema de lo que hay más allá de la muerte así como la reencarnación.
Es un tema complejo con muchos cambios de ritmo y una excelente seccion instrumental enmedio.
Esta es una de las canciones más hermosas que se hayan escrito alguna vez en la historia del Rock. Un tema épico que contiene todos los ingredientes para ser una obra maestra, desde esa introducción a medio tiempo, con las guitarras en plan protagónico hasta esa explosión de agresividad a mitad de la canción, que la hace una pieza metálica potente y directa, Bruce Dickinson mostrando porque es uno de los mejores.
Si hubiera que mandar un a canción a Saturno para explicarle a los extraterrestres que es el Heavy Metal, Infinite Dreams seria perfecta.

Can I Play With Madness describe a un hombre intentando saber sobre su futuro a través de un viejo profeta y su bola de cristal.
Este es el unico tema un poco diferente a los demas. El humor de la cancion parece demasido alegre, lo cual descuadra un poco con la letra y los solo de guitarra son algo cortos y superficiales pero el coro suena bien. Es tema a veces dificil de absorver pero a mi me encanta.

The Evil That Men Do el título de esta canción pertenece a una cita aparecida en Julio César de William Shakespeare; es parte de un discurso de Marco Antonio defendiendo a Cesar despues de su muerte y acusando indirectamente a Bruto. Es mencionada por Bruce Dickinson antes de tocarla en vivo, dice: "The evil that men do lives after them; The good is often interred with their bones ".
Principalmente el tema al igual que Infinite Dreams explora lo que hay más allá de la muerte.
Musicalmente, es un tema irresistible y uno de los mejores en el album con un coro que invita e involucra a al publico en sus conciertos.

Seventh Son Of A Seventh Son se basa en la fantástica novela de Orson Scott Card Seventh Son. La Historia comienza con el nacimiento de un niño, el cual es el séptimo hijo de un séptimo hijo y heredero de poderes paranormales.
Es de resaltarse por sus características y complejidad. Compuesta por tres segmentos de diferente índole siempre ambientados por teclados.
El primero de los segmentos (0'00"-4'18"), enmarcado en una lenta cabalgata de bajo y guitarras, expone todas las líricas (estrofas y coros) de la canción y finaliza con un juego de dobles voces de guitarras.
El segundo segmento (4'19"-6'51") evoca ambientes gélidos, con la presencia constante del bajo en tonos altos y de teclados in crescendo. Las guitarras aparecen paulatinamente de manera diferenciada. El bombo va aumentando la intensidad presagiando lo que será el desenlace. Es una pausa y a la vez una acumulación de energía que desborda en la siguiente fase que es la más intensa de las tres:
El tercer segmento (6'52"-9'53"). Ausente de voces. Es una verdadera batalla de punteos cargados de agresividad, precisión, velocidad e inspiración siempre soportados por líneas de bajo y batería de fuerte carácter. Cada guitarra tiene dos espacios para puntear separados cada uno por interesantes cambios de ritmo. El ocaso de la canción es un melancólico cuadro de juegos de guitarra a dos voces; direccionado por nostálgicas notas en el bajo y fríos acordes en los teclados.

The Prophecy relata la insistencia del Septimo Hijo del Septimo Hijo para que su pueblo considere las advertencias de un desastre que se avecina, pero no es escuchado.
Esta es otra excelente composicion cuyo humor cuadra perfectamente con la letra, termina poco caracteristicamente con una delicada seccion de guitarra acustica.

The Clairvoyant relata las reflexiones del Septimo Hijo del Septimo Hijo sobre su vida y poderes ya con pleno control de sus poderes.
Este fue el segundo sencillo del album y se ha convertido en otra favorita en los conciertos con una patentada linea de bajo por Steve Harris.
Los solos de guitarra tal vez sean algo cortos pero la cancion es excelente.

Only the Good Die Young es el final de esta reflexion sobre el significado de la vida y la muerte.
Este ultimo capitulo nos relata el final del Septimo Hijo del Septimo Hijo con un amargo recuento de su vida. Con un sentido de que el destino es ineludible, parece que los versos son expresados de forma alternada por el Septimo Hijo del Septimo Hijo y el diablo con sus respectivos puntos de vista sobre los eventos.
El ultimo verso despues del ultimo solo de Dave Murray es una repeticion del que abrio el album, por lo tanto cerrando el ciclo.
Un desastre que pudo haberse evitado ocurrio; con este ominoso final posiblemente orientadonos a que la Historia se repite porque la Humanidad no aprende o tal vez no quiera aprender de los errores del pasado

En fin para lo que los conocen me encantaría que vertieran su comentario sobre esta obra de arte de la música y para los que aun no; escuchenlo, se están perdiendo de uno de los mejores albums de rock de todos los tiempos.

Bajatelo y disfrutalo aqui y aqui y aqui.

XYZ

Este es otro grupo que tuvo todo para ser grande y no lo fue. Es el caso de las planetas alineandose brevemente, dejandonos ver en el horizonte una super formacion.

XYZ era el nombre propuesto para un supergrupo que al final de cuentas no fue. El nombre XYZ es tomado de eX-Yes--Zeppelin como el grupo consistió en el guitarrista de Zeppelin ex-conducido Jimmy Page, con ex-Yes miembros Chris Squire (bajo, voz, teclados) y Alan White (batería).

Page considero que la banda necesitaba a un cantante fuerte y buscó al antiguo cantante de Zeppelín, Robert Plant - Plant realmente asistió un ensayo de XYZ en 1981, pero decidió no unirse el grupo, citando su aversión al Rock Progresivo.

El sonido de la guitarra es inconfundiblemente Mr. Page con un sonido de epoca del soundtrack de Death Wish II, con un bajeo que solo puede provenir de Mr. Squire y el complemento a la percusion marcando el tiempo con Mr. White.
Squire también ha mencionado problemas personales de Page, en aquel tiempo era uno de los motivos para la disolución de la banda.
Desde mediados de los años 1990, un número de temas de contrabando han emergido, al principio registrado por XYZ en el estudio de casa de Chris Squire en New Pipers, en Virginia Water, Surrey, durante Abril de 1981. Ellos, como se cree, han sido víctimas de robo, de cintas demos de la casa de Jimmy Page en Cookham, Berkshire, en 1987.
Estos consisten en cuatro partes: dos instrumentales (la figura rítmica de uno de cual fue usada sobre Fortune Hunter de The Firm; el otro más tarde fue incorporado en el 1997 a Yes Mind Drive, más números vocales conocidos como Telephone Secrets o Telephone Spies (antes intentado por Yes como Song No. 4 (Satellite) durante las sesiones de Drama) y And (Do) You Believe It (o Can You See).
El último tema fue grabada por Yes en 2001 y publicado como Can You Imagine de Magnification. Es bastante posible que otras canciones también fueran intentadas pero nada más ha sido lanzado públicamente.
Con el futuro del XYZ ahora en el limbo, Squire y White grabaron un single llamado Run With the Fox, en Octubre de 1981 en New Pipers, antes que se formara Cinema (el precursor del Yes de 90125), con el guitarrista Trevor Rabín y Tony Kaye.
Rabín intentó adaptar el material XYZ con sus canciones solistas para el nuevo grupo, pero abandonó el proyecto con la reforma de Yes con la adición de cantante Jon Anderson, y la grabación del álbum 90125 en 1983.
En 1984, Jimmy Page se unió a Yes sobre el escenario, tocando I´m Down durante un concierto de la gira presentación de 90125 Live The Solos, en Westfalenhalle, Dortmund, Alemania.

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Michael Schenker Group - Written in the Sand

En 1995, Michael Schenker nos sorprendio con Written in the Sand.
Renergizado con la breve reunion y album con UFO (Walk on Water), Michael Schenker hizo lo que siempre hace desde los '70s cuando se asoma el exito en su carrera...se desaparece.
Con anterioridad, se sumaria a un nuevo grupo, pero mas recientemente, le dio por armar un grupo propio, bajo el confuso y multifuncional acronimo M.S.G.
Si M.S.G. le empezaba a saber mal, inmediatamente corria a todos, se refugiaba en algun lugar remoto (Alemania o tal vez Arizona), ponia en orden sus pensamientos, se buscaba nuevos musicos, y a empezar todo de nuevo.
A este hombre le encantan los retos. No importa que lo inspire, Schenker y su alineacion en Written in the Sand, con Leif Sundin en la voz, Shane Gaalaas en la bateria, y Barry Sparks en el bajo nos entrego un metal muy respetable y de lo mejor de los albums del Michael Schenker Group.
El material pesado, electrico del album es excelente, pero aun baladas como I Believe son progresivas, maduras y muy agradables- un verdadero logro para el genero.
Written in the Sand es a la vez un solido esfuerzo y un triste recuerdo de que para muchos fans y debido a la falta de continuidad profesional del guitarrista- nunca han tenido la verdadera oportunidad de verdaderamente apreciar las habilidades y la musica de Michael Schenker.

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Kiss - Hotter Than Hell

Recuerdo haber hecho viaje especial a Tucson a JC Penney a comprar esta gema recien salida en Octubre de 1974. Espero estes bien gordo Saldivar.
Aunque ya lo habia posteado como parte de la compilacion The Originals, bien vale la pena darle su propio lugar.

Hotter Than Hell es el segundo álbum de Kiss lanzado en 1974. Esta producción emana de la urgencia de más material para mejorar económicamente a Casablanca Records and Filmworks, sin embargo, este producto es muy bueno ya que lanzó éxitos clásicos y de fina composición.

Hotter Than Hell es un disco con una producción pobre, de un sonido crudo y sucio que le da un matiz especial y se vuelve una fuerte influencia en el grunge de los noventas.

Despues de grabar su primer album, Kiss se encontraba en una dificil situacion: el primer disco no habia pegado como esperaban y necesitaban generar ingresos; ante tal situación se apresuraron a generar otro álbum y tan sólo unos meses después grabaron su segundo disco en Los Ángeles, llamado Hotter than Hell, el cual saldría en forma presurosa al mercado el 22 de Octubre del mismo año. Iba a ser bautizado como “The Harder They Come” pero como en esos tiempos había un álbum de reggae y una película del mismo nombre, tuvieron que optar por uno alternativo.

El álbum no fue grabado de la forma como los integrantes como hubiesen querido por la forma como se dieron las cosas; al ser nativos de New York se sintieron desubicados todo el tiempo y al final odiaron las sesiones de grabación en Los Ángeles, incluso desde el primer día le robaron la guitarra a Paul. Por lo que escribieron la canción Comin’ Home inspirándose en su situación en Los Ángeles.
Se rescataron dos temas originales de Wicked Lester: Watchin’ you y Goin’ Blind, originalmente llamada simplemente Little Lady ya que cuenta una historia de romance con una menor de edad. Aún así Ace no se sentía muy ubicado, seguía sumergido en su timidez, hasta que Gene y Paul lo invitaron a componer canciones para rellenar el álbum, de ahí surgieron Parasite y Strange Ways, que fueron interpretadas por Gene y Peter respectivamente; ello era el descubrimiento de que el verdadero compositor estaba tras una fachada de timidez que esperaba desaparecer.


Para entonces sus presentaciones se hacían más espectaculares con grandes explosiones, vómitos de sangre (hecha de yoghurt y pintura), luces, guitarras espectaculares y un tosco show de la batería levitante de Peter Criss. Y sí, los japoneses la cagaron y renombraron el álbum como KISS Second: Shout from Hell. Pero la calidad salió a relucir y de inmediato se notó al saber que el máximo lugar al que llegaría Hotter Than Hell sería el 100 en Billboard, en parte debido a que Warner ya no distribuía las producciones de Casablanca.

Los integrantes se excedieron ante repentino éxito, como por ejemplo a la hora de la sesión de fotos todos estaban ebrios (excepto Gene, quien no toma) e incluso tuvieron que encerrar a Paul Stanley en un auto para que no se hiciera daño a si mismo, y en la fotografía retocaron el rostro de Ace Frehley, ya que en un accidente de auto se dañó la cara y no le habían puesto pintura en la zona afectada.
Mientras tanto KISS dejaba de ser un grupo abridor y comenzó a dar conciertos en clubes y eventos regionales generando un gran espectáculo que llegaba a verlos como el gran grupo principal del maquillaje y sangre, de explosiones y gritos. Hoy son leyenda.

Esta es la version remasterizada de 1997.

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Black Sabbath - Sabotage

Recientemente alguien me preguntaba que si que valia la pena escuchar para repasar la historia de Black Sabbath cuando los dias de Ozzy Osbourne en unos cuantos discos.

Despues de que explique lo importante que seria conocer todos los albums de esa epoca clasica de Sabbath, decidi recomendar la primera etapa en 2 albums: la recopilacion de 1975 We Sold Our Souls For Rock And Roll ( aunque para recopilaciones, siempre sera mejor la de 3 cds: Black Sabbath The Ozzy Osbourne Years) y este que nos ocupa...

Recuerdo vivivamente ese momento en el verano de 1975 en casa de Tay cuando nos estaba luciendo su mas reciente adquisicion: Sabotage de Black Sabbath.
Sabotage es una joya del Rock y del Heavy Metal, con este trabajo cierran su primera etapa, la más creativa e importante de su carrera.
Algunos fans de Black Sabbath fans pensaron que el grupo habia llegado a su zenith con su quinto lanzamiento Sabbath Bloody Sabbath (el cual me acabe en aquel verano en Culichi Town) y que por lo tanto su sexto album Sabotage era el inicio de la caida . Pero otros fans adoraron Sabotage y pensaron que mostraba una banda evolucionando y tal vez hasta madurando.
Yo fui de los segundos. Claro, cuando lo comparamos con los primeros cinco albums de Sabbath (especialmente Master of Reality), este album no es muy obscuro u ominoso, de hecho suena un poco "buena onda." (Este sonido menos obscuro fue posible debido a que el guitarrista Tony Iommi, introdujo teclados y hasta un coro en Supertzar).
Pero este es Black Sabbath aun; Sabotage es un album muy pesado (para esa epoca), Con las guitarras aun muy presentes.

El primer tema, Hole In The Sky, es muy contagioso y tiene un acorde inolvidable.
La única canción del disco que no es "rara" y arriegada, es simplemente un hard rock-blues muy a la vena de AC/DC , el riff en realidad no es nada original, pero rockea a todo lo que da, además la melodía que canta Ozzy, es totalmente contagiosa, uno de los rock-blues más potentes que escuche en mi vida, por cierto la canción se parece a Tie Your Mother Down de Queen.

Don't Start (Too Late) dura aproximadamente 50 segundos, y aunque algunos pensaron que era material de relleno a mi me parece un arreglo acustico de primera y una excelente introduccion al siguiente tema. Te relaja y te prepara para lo que sigue...

Despues de todo, el traqueteo en la guitarra en Symptom Of The Universe es muy posiblemente uno de los primeros riffs del Trash y para mi, presagia por mucho lo que estaria sucediendo con la musica 20 años despues.
Ese riff, aunque simple, pega duro (¿Cuantas veces habrá tomado Metallica esta riff como referencia para hacer los suyos?), luego cambios de ritmo en donde Bill Ward hace gala con impresionantes remates y comienza la melodía vocal, que quiza te suene desagradable al principio por la voz rasposa de Osbourne, pero con el tiempo verás que queda perfecta para este tipo de canción, además escucha los jams que hay en la canción y el solo de Iommi que aparece después exponiendo su velocidad; esta es apenas la primera parte de la canción, porque después comienza una sección instrumental acústica (muy parecida a la parte inicial de Paranoid Android de Radiohead) que satisface mis oidos con toques irresistibles de música, excelente tema con un Osbourne que suena de lo mas expresivo aqui.

Ahora llegamos al segundo magnus opus, pero esta vez el superior de todos los del disco, y por cierto, el mejor tema de Black Sabbath, todos los grupos gigantes tienen su épica de todos los tiempos. Pink Floyd tiene a Echoes, Queen a Bohemian Rhapsody, Led Zeppelin a Stairway to Heaven, etc. Y Sabbath tiene a Megalomania; un monstruo de canción de 11 minutos de duración, que tiene todo para que le guste a un fan del heavy metal o del rock atmósferico.
La parte inicial del tema, esta hecha con una gran sabiduria musical, una atmósfera floydiana bien oscura y ambiental.La melodía vocal de Ozzy en esta primera parte es esplendida, canta con sentimiento , para variar acerca de sus problemas de "locura"; el estribillo de este segmento, es excelente.
Si ya hasta aquí la canción merecía ser un clásico con esta primera parte, falta la segunda, un pequeño segmento de piano da lugar a un riff Trash de Iommy. Si, suena simple, pero al entrar el ritmo de batería y otras guitarras eléctricas hacen que esto suene como un cuchillo asesino, con una gran vocalizacion de Osbourne, su mejor momento vocal de su vida.
Es cierto que al final esta obra resulta ser repetitiva (el riff se repite casi siempre) pero, si no durara tanto, no sería la bestialidad que es. Además escucha el final, donde aparece una orquesta para darle un "magnus-finale" al tema... Heavy metal con orquesta!! suena tan épico, tan grandilocuente que no tengo palabras. Conclusión: El mejor tema de Sabbath.

La siguiente cancion, The Thrill of It All es realzada por un solo blusero de guitarra. Es un tema instrumental Heavy metal con cantos gregorianos (de aqui que sean los precursores del Dark)
Supertzar es un tema instrumental con un uso ominoso del coro mencionado antes.

Am I Going Insane (Radio) contiene un coro contagioso ("tell me people...am I going insane?") y unas risas maniaticas ya para terminar.
Finalmente, The Writ es otra larga cancion de ocho minutos y medio con una gran letra cantada por Ozzy, y una guitarra que pudiese estar en cualquiera de los albums iniciales de Rush .
Se trata del tercer magnus opus del disco, el problema es que no soy fan de la primera parte, la voz de Osbourne suena bastante aguda y como que repite mucho la primera melodía, pero después de varias veces aprendí a disfrutarla, después de todo hay que notar el esfuerzo de Ozzy por cantar, y que después de todo la melodía es pegadisa, además, la segunda parte de este magnus opus es lo que más me encanta, una parte instrumental increiblemente brillante; tenemos arpas, violines, clavicordios, todo suena tan hermoso y sin guitarras y Ozzy haciendose cantante de ópera. El disco lo concluye un riff de Iommy desvaneciéndose

En el CD remasterizado aparece una canción de 23 segundos después de Am I Going Insane (Radio) , grabada a un volumen muy bajo, llamada Blow on a Jug y no es una canción en sí, es solo Ozzy y Bill Ward payaseando en el estudio.
Por lo tanto, Sabotage es otro album clasico de la banda que todos tachaban de tonteria y media. Es material esencial para cualquier fan de Black Sabbath/Ozzy y fans del Heavy Metal en general

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How the West was Won

Estamos de regreso con el grupo de grupos: Led Zeppelin.
How The West Was Won es un álbum triple (el número once y último del catálogo oficial, además de ser el tercero en vivo) de Led Zeppelin, donde se recogen parte de las actuaciones del 25 de junio de 1972 en el foro de Los Angeles (L.A. Forum), y dos días después, el 27, en el Long Beach Arena de California, en los Estados Unidos.

Fue publicado originalmente en Marzo de 2003. Al momento de su salida al mercado, alcanzó el numero 1 de las listas a ambos lados del Atlántico, y hoy por hoy, sigue encumbrado entre los top de ventas de las más famosas vendedoras discográficas.

¿Cual era el talon de Aquiles en el catalogo de Led Zeppelin? La falta de un album en vivo contundente -- algo al nivel de Live at Leeds de the Who o Get Yer Ya-Ya's Out! de the Rolling Stones o Kiss Alive! El soundtrack documental del concierto en 1976 The Song Remains the Same, en ningun momento estuvo al nivel requerido (auque la reedicion del 2007 lo hizo mucho mejor, a mi me encanta), y las BBC Sessions de 1997 capturan al grupo en ascenso y no en su zenith.
Con este album la espera termino. How the West Was Won es un set de 3 cds grabado durante un tour en 1972 California , y capta a Zeppelin en su mejor momento, recien salidos de su obra de arte, Led Zeppelin IV, con Houses of the Holy a punto de aparecer en el horizonte.

Jimmy Page, guitarrista y líder del conjunto ingles, mientras buscaba entre los archivos de video para el Led Zeppelin DVD (que apareció al unísono con este álbum), redescubrió estas grabaciones, y quedó muy impresionado de la calidad de interpretación. "Este es Led Zeppelin en su mejor momento, y es una ilustración de Cómo el Oeste ha sido ganado" refiriéndose a la ubicación de estos conciertos en los Estados Unidos.

Según John Paul Jones, bajista y multi-intrumentalista del grupo: "las estrellas estaban alineadas". Ademas se aprovecha de cubrir la demanda de los fans de un álbum en vivo que mostrará al grupo con su real poderío, porque la grabación BBC Sessions (1997), dejaba en claro que The Song Remains The Same (1977) demostraba a la banda no de la mejor forma.

El album ha sido considerado el mejor álbum en vivo de la banda (algunos prefieren BBC Sessions) y aunque prematuro, se consagra dentro de los mejores en vivo del rock. Son capturadas sus actuaciones durante el cierre de la gira americana (1972 US Tour), para después de estos conciertos terminar en Arizona, y luego empezar con el tour japones. El setlist abarca canciones de sus 4 primeros discos, y anticipa canciones del siguiente: Houses Of The Holy (versiones de primera).
En el apartado musical, destaca por interpretaciones demoledoras, musculosas y ajustadas de los clásicos de la banda (muchas superando las versiones de estudio), con cabida para grandes improvisaciones, sobre todo en las versiones largas de Dazed And Confused, Whole Lotta Love, y el solo de batería Moby Dick; ademas de su excelente calidad de sonido, también disponible en formato DVD audio.
Bajatelo y disfrutalo aqui y aqui.

Metallica - Eternal Decision

Aqui tienen un pequeño entremes con algunos de los temas que vendran en el nuevo album de Metallica mas algunos covers y demos por la banda. Seguramente algo de lo que escucharon nuestros amigos en Tucson, Az el pasado Viernes 16 de Mayo.



1. - I Just Want To Celebrate (Rare )
2. - Please Don't Judas Me (Nazareth Cover)
3. - Veteran Of The Psychic Wars (Blue Oyster Cult Cover)
4. - Brothers In Arms (Dire Straits Cover)
5. - All Within My Hands
6. - The new Song
7. - The Other New Song
8. - Death Is Not The End (Live)
9. - Death Is Not The End (Studio Demo)
10 - Vulturous (Studio Demo)

Bajatelo y disfrutalo aqui.

Battle Axe- Billion Dollar Babies

Una de las misiones de Rockrockblog.com es traerte la musica de los grupos que pudieron ser grandes y en este caso tenemos uno de los mejores ejemplos.

Estamos ante el último disco del grupo clásico Alice Cooper. Bueno, no exactamente, pero es lo que tenemos despues de la disolucion del grupo al final de la mini gira de Muscle of Love .

Este es Battle Axe, album grabado por los Billion Dollar Babies. La produccion fue lanzada en 1977, año en el que la compre, escuche y perdi y se volvio dificil de encontrar.

A los elementos del grupo original de Alice Cooper, Dennis Dunaway (bajista), Neal Smith (bateria) y Michael Bruce (guitarra, voz), se les unió el teclista Bob Dolin, que ya había colaborado con ellos en el disco Muscle of Love, y se incorporó como guitarrista a Michael Marconi (muy bueno, por cierto), en sustitución de Glenn Buxton.

El propio Michael Bruce se encargó de poner las voces, compaginándolo con su labor de guitarrista rítmico. ¿Qué como es su voz? Pues algo parecida a la de Alice Cooper. Increíble que pueda imitar una voz tan personal con esta facilidad, pero por momentos, uno se olvida de que esta escuchando a unos tales Billion Dollar Babies y cree que está oyendo un CD clásico de Alice Cooper. Impresionante en ese aspecto.

¿Las canciones? Más o menos mantienen el feeling que dejó Alice Cooper con su Muscle of love. Es un puñado de buenísimos himnos de hard rock al estilo de Cooper, del mismo modo que si te gustan los discos antiguos de Alice Cooper no hay razones para que no te guste este disco.

Desgraciadamente, el disco se queda en simplemente eso, una buena colección de temas de hard rock, y habiendo sido Alice Cooper un grupo tan sorprendente y atrevido en su tiempo, pues sabe a poco. No olvidemos que estamos hablando de la banda que compuso cosas como Elected, Billion Dollar Babies, School's Out, Halo Of Flies, Dead Babies, Ballad of Dwight Fry”, I Love The Dead, My Stars… no niego que los himnos rockeros de Alice sean grandiosos, pero en mi opinión, canciones como las anteriormente citadas, atrevidas, originales y sorprendente, eran el punto fuerte de su música, lo que hizo de Alice Cooper uno de los mejores grupos de principios de los 70.

Si el disco tuviera dos o tres buenas canciones así, no tendría reparo en considerar este disco a la altura de los mejores de Cooper.

Pero esto no me resulta muy difícil de olvidar cuando pongo el disco: el rock empieza a fluir casi sin descanso durante los 38 minutos que dura el disco, 38 minutos que se pasan volando y que dejan con ganas de más.

Too Young es la apertura, con un estribillo que recuerda inmediatamente al clásico School's Out (fijate en el ritmo de batería que le acompaña).

Otro gran tema es la balada Wasn't I the One, con una deliciosa línea de piano y un Bruce recordando a Cooper más que nunca.

Rock ‘n' Roll Radio es una seria contendiente a mejor canción, con un estribillo memorable y unos arreglos de viento impecables.

La balada Rock Me Slowly retoma un estilo similar a Wasn't I the One, con una labor de Dolin a los teclados magnífica.

Si me quejaba de la ausencia de canciones “raras”, quizá no fui totalmente preciso, ya que hay un par de canciones que se acercan levemente a ese estilo, colocadas sabiamente al final. La primera es Battle Axe, con una intro maravillosamente siniestra de órganos que desemboca en una oscura y decadente balada. Seguramente lo mejor de este disco.

Luego nos llega Sudden Death, un corto pasaje de sintetizador que hace de introducción al final del disco: Winner que se inicia con un riff muy pesado que da paso a un segmento de regusto a jazz, para acabar siendo todo un himno de hard rock, en el que el acompañamiento de una muchedumbre eufórica simula los gritos de emoción ante el ganador de un duelo. Otra canción maravillosa, que cuenta con un estribillo muy alegre, o incluso poppie, totalmente irresistible. Sin duda no había otra canción mejor para cerrar el disco. Hay otras buenas canciones en este disco, pero al ser más y más hard rock corriente, quizá no venga a cuento comentarlas todas.

El album fue un fracaso comercial y los Billion Dollar Babies nunca grabaron un segundo album y Battle Axe practicamente desaparecio. Realmente, no se me ocurre nada malo que decir de este disco. La historia del rock es realmente injusta, y ni día de hoy este disco goza del reconocimiento que merece. Si en la portada del disco hubiese dicho…, Kiss, sería un disco venerado por todo aficionado al rock.

En el 2004 me hice de esta copia de COE Records.

Bajatelo y disfrutalo aqui.

Nuestras gracias a n8w8 por el enlace.

Iron Maiden Powerslave

Iron Maiden es una de esas bandas en las que te cuesta decidir que disco elegir como su mayor clásico. Y es que cuando has realizado trabajos tan brillantes como The Number of the Beast, Seventh Son of a Seventh Son o el disco que hoy tratamos, Powerslave, es razonable que a uno le asalten las dudas sobre cual disco de estudio sea el primero que deba postear aqui.


Powerslave fue lanzado en Septiembre de 1984 (a estos batos les gusta mi mes para lanzar nuevos discos y como consecuencia he tenido unos regalotes)en plena efervescencia de la banda tras los exitosos álbums Number of the Beast y Piece of Mind. Iron Maiden ya eran considerados una referencia dentro del Heavy mundial y Powerslave aportó más a este hecho, y más aún tras la gira World Slavery Tour donde presentaron el disco a nivel mundial por 23 países, durante 331 días y en 191 conciertos. Una descomunal gira que la banda aprovechó para grabar un doble disco y vídeo que daría lugar al Live after Death.

El álbum surge como consecuencia de un viaje a Egipto de la banda donde quedaron impactados por la majestuosidad del lugar y especialmente de las pirámides. De ahí la portada donde podemos observar a la mascota de la banda, Eddie, convertido en Faraón. Además cabe destacar que fue el primer disco en mucho tiempo en el que la banda no sufrió ningún cambio en su formación, siendo firmado por los mismos integrantes que Piece of Mind (Steve Harris, Bruce Dickinson, Adrian Smith, Nicko McBrain y Dave Murray), quizá una de las mejores formaciones que ha tenido la banda.

En cuanto a lo musical Powerslave tiene un comienzo de vértigo con Aces High. Se trata de un tema muy rápido y rockero, con un riff memorable y que trata sobre los pilotos de aviones en la 2ª guerra mundial,esta dedicada a todos aquellos pilotos ingleses que murieron defendiendo Inglaterra de la invasión de la Alemania Nazi.:

Run, live to fly, fly to live, do or die
Won´t you run, live to fly
Fly to live, aces high

Tras Aces High suena 2 Minutes to Midnight, uno de los mayores clásicos de Iron Maiden. Un tema con una línea de bajo destacada, un gran estribillo y en definitiva con chispa. Le sigue Losfer Words (Big´Orra) un buen instrumental que para mis oidos guarda mucha semejanza con la ola original del NWOBHM y que consigue hacer de puente con Flash Of The Blade, un tema donde se pueden observar el virtuosismo vocal de Dickinson y de ambos guitarristas (Smith y Murray). Ambos temas reflejan un poco a Tygers de Pan Tang, hablando de NWOBHM .

A continuación llegan The Duelists y Back in the Village, dos temas que siempre han estado infravalorados pero que mantienen de forma impecable el nivel del disco.

El disco cierra igual de fuerte que empezó. Powerslave, grandioso tema que da título al álbum y que envuelve al oyente en una atmósfera de pirámides y faraones, pero cabe sobre todo destacar la presencia del que para mí es el mejor corte del disco, The Rime of the Ancient Mariner. La canción más larga en la discografía de Iron Maiden se presenta como un tema lleno de matices, de subidas y bajadas de ritmo que te transportan directamente al poema de Samuel Taylor Coleridge del mismo nombre en el que se basa la canción.

Sin duda un broche de oro a uno de los discos de referencia del metal de los 80's y, por qué no, del metal en general.

Las canciones:
1 Aces High (4:29)
2 2 Minutes to Midnight (5:59)
3 Losfer Words (Big ‘Orra) (4:12)
4 Flash of the Blade (4:02)
5 The Duellists (6:06)
6 Back in the Village (5:20)
7 Powerslave (6:47)
8 Rime of the Ancient Mariner (13:36)

Las canciones extras:
1. Rainbow's Gold
2. Mission From Arry
3. King Of Twilight
4. Number Of The Beast (live)

Bajatelo y disfrutalo aqui y aqui.

Iron Maiden Life after Death

Tras el triunfal inicio de la gira Somewhere Back in Time World Tour ‘08, el pasado 1 de Febrero en Dubai, India, delante de 100.000 fans, está claro que la “Fiebre Maiden” ya se desató en todo el mundo, con la mayoría de los shows alcanzando rápidamente el status de “Sold Out” como ya aconteció con todas las fechas sudamericanas.

En este contexto, era más que obvio que el largamente esperado lanzamiento en DVD del mítico Live After Death sería un golazo de media cancha, y es que honestamente, el DVD doble presenta 5 horas absolutamente imperdibles de Iron Maiden en su mejor elemento: los shows en vivo. Y lo mejor es que todo está aquí maravillosamente documentado y presentado, con una calidad de audio de primera y con subtítulos en español.

En lo general, este doble DVD abarca todo el período de composición y grabación del insuperable álbum Powerslave de 1984 (sin duda, uno de los 3 mejores discos en la carrera de la banda), el World Slavery Tour y luego la preparación y grabación del disco en vivo Live After Death de 1985, considerado como uno de los mejores discos en vivo de toda la historia del heavy metal.
Toda la cobertura del período de sus discos Somewhere in Time (1986) y Seventh Son of a Seventh Son (1988), saldrá presentada en el siguiente DVD de la banda, la reedición de Maiden England.
Pero no nos adelantemos en el tiempo, y veamos que nos muestra Iron Maiden en LAD: El disco 1 incluye el concierto completo filmado en el mítico Long Beach Arena de Los Angeles, California. Son 90 minutos en vivo, con lo mejor de Maiden hasta ese momento y con la fastuosa producción escénica basada en las pirámides del antiguo Egipto. Todo está restaurado digitalmente y el audio remasterizado, ofreciendo diferentes opciones en stereo, 5.1 y DTS. Sin duda, con las nuevas posibilidades técnicas, el legendario video cobra una nueva vida y te lleva a otra dimensión. Iron Maiden mas que cumplio lo prometido y supero con creces la version brasileña en VHS llevada piratamente a DVD en el pasado.
Se utiliza un célebre discurso de Winston Churchill como intro, en dicho discurso el primer ministro de Inglaterra durante la segunda guerra mundial, arenga a sus compatriotas a no rendirse y resistir el bombardeo al que se enfrentaban. Una vez terminada la intro, explota el escenario, aparece la banda y empieza a sonar Aces High.
En Revelations, Nicko se coloca una máscara de J.J. Jameson y le arrojan pop corn, y luego Dickinson toma una guitarra y se le observa tocando en los primeros minutos de la canción.
Durante The Number of the Beast, Dickinson carga a Dave Murray y se echa a correr jugándole una broma a Adrian Smith, quien se luce con la guitarra.
En Powerslave, empieza el tema, se escucha la voz de Dickinson, pero no se le ve por ningún lado, de pronto aparece una gran llama y del fuego aparece éste con una máscara y continúa cantando, instantes después a la mitad de la canción irrumpe una momia gigante de ojos encendidos y rojos, que corre por el escenario agitando los brazos.
Pero lo mejor sin duda se encuentra en el disco número 2, donde encontramos la segunda parte de la Historia de Iron Maiden, un documental de 60 minutos de duración que se te pasan volando, cuando los propios miembros de la banda y su staff técnico y su crew de management, cuentan con lujo de detalles sabrosas historias no conocidas de la grabación de Powerslave en Las Bahamas y todo lo relacionado con el World Slavery Tour. Realmente uno queda con gusto a poco. Luego viene otro documental, “Behind The Iron Curtain” que en su momento también salió en VHS en 1984; es 1 hora de Maiden de gira por los países del bloque comunista como Polonia, en plena época de la guerra fría; con conciertos rodeados de soldados por todos lados. Aquí Maiden suena más crudo y lacerante que nunca y se puede disfrutar de gemas poco habituales en el set list de la banda como la maravillosa 22 Acacia Avenue.
Luego saltamos a 50 minutos de concierto de Iron Maiden por primera vez en Latino América, cuando el 11 de Enero de 1985, tocaron en la primera edición del festival Rock in Rio, en Río de Janeiro, Brasil, en un concierto impresionante junto a Def Leppard, Whitesnake, Ozzy Osbourne, Scorpions, AC/DC y Queen, delante de 300.000 personas. Fue su único show en el continente hasta su gira sudamericana de 1992. Esta es una grabación de la televisión brasileña y por lo antiguo del material, algunos temas no se pudieron utilizar y el audio no es óptimo, pero de todas formas es un documento histórico con un Maiden maravillado con la locura del público.
Finalmente, hay un divertido documental de la TV norteamericana llamado “Ello Texas” de 15 minutos de duración, con la banda sacándose fotos en el monumento de la batalla de “El Alamo” (estupido recuerdo y glorificacion del robo a Mexico por Estados Unidos de mas de la mitad de su territorio en 1867), y también se incluyen los video clips de Aces High y 2 Minutes to Midnight además de una extensa galería con fotos de la gira y todo el maravilloso arte desarrollado por el genial ilustrador Derek Riggs, ya que sin duda el de LAD, es una de las mejores portadas de la historia de Maiden. Como ven, aquí está todo; todo lo que ocurrió en una maratónica gira mundial que duró 13 meses consecutivos, recorriendo 24 países, registrando 190 shows, en un material de colección absolutamente obligada. Maiden arrancó el 2008 con todo y lo tendremos cerca de nosotros en Phoenix este proximo 26 de Mayo.

Es posible disfrutar de un adelanto de esta fantastica coleccion en DVD lanzada en Febrero de este año aqui.





Ahora bien, por que hablar del DVD? Pues porque es una actualizacion del album que nos ocupa:
Live After Death es una álbum en vivo de Iron Maiden lanzado el 14 de Octubre de 1985.
Grabado durante una serie de conciertos en el Long Beach Arena de Los Ángeles durante los días 14, 15, 16 y 17 de marzo de 1985, Live After Death es el primer disco oficial en vivo de Iron Maiden tras el EP Maiden Japan. Iron Maiden no solo es una banda de buenas composiciones, sino que se luce en sus presentaciones en vivo, en las cuales explotan toda su fuerza y calidad. Este álbum no solo es considerado como el mejor album en vivo de Iron Maiden, sino como el mejor de toda la historia del Heavy Metal.

Los 13 temas (12 canciones y la intro) fueron grabadas en la Arena de Long Beach en Long Beach, California en Marzo 14-17 1985. Las ultimas 5 canciones fueron grabadas antes durante el mismo tour, en el Hammersmith Odeon (ahora conocido como Hammersmith Apollo) en Londres en Octubre 8, 9, 10 y 12 1984.
En la version original del LP doble, las canciones de Long Beach aparecen en los primeros 3 lados, mientras que las canciones grabadas en Londres (Wrathchild, Children of the Damned, 22 Acacia Avenue, Die With Your Boots On y Phantom of the Opera) aparecian en el lado 4.
La version inicial en CD (lanzada en diciembre, 1985; que regalito) de este album incluye todo el contenido de los 3 primeros lados del LP. El cuarto lado no fue incluido en el lanzamiento original, debido a problemas de espacio. Ademas, Running Free se vio reducida de 8:43 en vinil a cerca de 3:16 en el CD eliminando la interaccion con el publico. El relanzamiento remasterizado de 1998 contiene la version de la cancion sin edicion, e incluye un segundo CD con los temas que anteriormente habian sido omitidos.

Es de hacerse notar que el relanzamiento de 1995 contiene tambien un CD extra con los lados B de los sencillos.
El video de Live After Death fue tambien grabado en la Arena Long Beach Arena, empero, en una noche diferente. Contiene el concierto completo, con la introduccion y encores, y cierra con Sanctuary, la cual no aparecia ni en el LP ni en el CD original del album. Una version en vivo de Sanctuary grabada en el show de Long Beachfue incluida en el disco extra del relanzamiento de 1995, este disco tambien incluye Losfer Words (Big 'Orra) y Murders in the Rue Morgue de los shows de Hammersmith.
Dos sencillos de Live After Death fueron lanzados : Running Free y Run to the Hills.


El arte de la cubierta fue - tal como era usual en estos albums de Iron Maiden - realizado por Derek Riggs, y nos muestra a la nascota del grupo, Eddie saliendo de una tumba. En esa tumba esta una lapida con una cita del autor de cuentos de fantasia y de horros H. P. Lovecraft:

"That is not dead which can eternal lie

Yet with strange aeons even death may die."

"Lo que no muere puede eternamente yacer
pero con extraños eons aun la muerte puede morir"

Necronomicon.

La cubierta frontal nos muestra a Eddie tal como se ve en las cubiertas antes de Piece of Mind (con cabello largo).
La cubierta trasera muestra a la Muerte en las nubes sobre la ciudad destruida.


CD 1
1. "Intro: Churchill's Speech" (Winston Churchill) – 1:32
2. "Aces High" – 4:14
3. "2 Minutes to Midnight" (Bruce Dickinson, Adrian Smith) – 5:16
4. "The Trooper" – 4:07
5. "Revelations" (Dickinson) – 5:59
6. "Flight of Icarus" (Dickinson, Smith) – 3:30
7. "Rime of the Ancient Mariner" – 14:06
8. "Powerslave" (Dickinson) – 6:54
9. "The Number of the Beast" – 4:49
10. "Hallowed Be Thy Name" – 7:14
11. "Iron Maiden" – 4:02
12. "Run to the Hills" – 3:50
13. "Running Free" (Paul Di'Anno, Harris) – 8:43


CD 2 (edicion 1988 solamente)
1. "Wrathchild" – 2:58
2. "22 Acacia Avenue" (Smith, Harris) – 4:58
3. "Children of the Damned" – 4:21
4. "Die With Your Boots On" (Dickinson, Smith, Harris) – 5:39
5. "Phantom of the Opera" – 7:01


CD extra (edicion 1995 solamente)
1. "Losfer Words (Big 'Orra)" - 4:14
2. "Sanctuary" (Di'Anno, Dave Murray, Harris) - 4:40
3. "Murders in the Rue Morgue" - 4:32

La producción de este album es sencillamente perfecta. Escuchándolo con unos buenos bocinas, se puede distinguir claramente las guitarras de Dave Murray y Adrian Smith, uno a la izquierda y otro a la derecha, convirtiendose en el primer album de la historia grabado en sonido stereo.
Me toco verlos en esta gira en Marzo de 1985 en Tucson, AZ y luego como 2 semanas despues en Tempe, AZ !

Bajatelo y disfrutalo aqui, aqui y aqui.

Lee mis otros post sobre Iron Maiden aqui.

Alice Cooper- Muscle of Love

Para muchos este disco fue una decepcion, para mi un disco realmente encantador, de verás. Durante bastante tiempo no di a Muscle of Love el reconocimiento que merecía por mi parte, y no tengo reparos en reconocer las razones: tenía buen rock, sí, pero no había un Elected o un Billion Dollar Babies o un No More Mr. Nice Guy o un Dead Babies o un I Love the Dead… podría decirse que se me hacía un disco un tanto ordinario. Un buen disco de rock, ¿y que más? Y es que era injusta la comparacion: ¿como superar el album Billion Dollar Babies, el mas grande de todos los tiempos? Poco a poco este disco fue penetrando en mí, y fui percatando de que es especial. Este disco es lo último que grabaría el grupo antes de su disolución, y realmente no se como iban las cosas en el seno del grupo durante la grabación (mierda, debí haberme informado antes de escribir esto), pero lo cierto es que a lo largo del disco no puedo evitar captar cierta melancolía. No es que las canciones sean tristes, que en su mayoría no lo son, pero… vaya, no sabría explicarlo.

Si hay una palabra que defina este disco esa es “bohemio”. Musicalmente me parece una romántica alegoría a la vida nocturna, los ambientes pintorescos y los momentos de diversión seguidos de la melancolía. Qué mejor ejemplo que la inicial Big Apple Dreamin' (obviamente acerca de New York) Crazy Little Child o la melancólica Teenage Lament '74. Pero bueno, dejémonos de cosas de estas, que son tan subjetivas como el hecho de que cuando escuchas este disco puedes pensar “¿de qué diablos habla?”, y veamos como suena el disco.

El disco, si a mi es a quien preguntan consta de dos temazos impresionantemente espectaculares que merecen figurar en cualquier lista de lo mejor de grupos y otras siete canciones que miran a estas desde bastante abajo, pero siempre buenas (o incluso muy buenas).

Estos dos temazos son Big Apple Dreamin' y Teenage Lament ‘74. La primera es un hard rock bastante directo, con buenos teclados a lo John Lord que juegan continuamente con las guitarras, que habla sobre la utopía de dejarlo todo atrás y buscar fortuna en la inmensa New York City. Mi parte favorita es cuando Alice repite por segunda vez el puente (“Skyscrapers and subways and stations staring up at the United Nations”) y en lugar de ir al estribillo, entra el solo de guitarra, mientras un violín repite una melodía obsesiva y un piano nos ofrece unas notitas disonantes… realmente escalofriante, todo el caos de la Gran Manzana reflejado en tan solo unos pocos segundos de música, para volver a ese ultra-optimista estribillo, el grito de un joven emprendedor arrogante que espera comerse el mundo: “New York is waiting for you and me, baby, waiting to swallow us down, New York, we're coming to see what you're made of, are you as great as you sound”. ¿Y ese violín melancólico que queda al final? No tengo palabras, una de las mejores canciones de Alice.

El otro temazo es la balada Teenage Lament ‘74, una reflexión sobre la adolescencia, aquella época en la que nadie parece comprenderte, y aunque te digan que vives de maravilla, tu te sientes como una mierda. Vaya, ¿qué pasó, Alice? ¿Dónde quedó aquello del “I'm eighteen and I like it”? No importa, lo importante es que la famosa angustia adolescente queda aquí mejor reflejada que en toda la discografía de Nirvana, mediante una melodía preciosa y un Alice Cooper desbordante de sentimiento, alcanzando su mejor momento cerca del final, cuando dice “Why don't you get away? Well, I'd rather cry all day”. Quizá en el fondo esté riéndose de todo eso, pero que consigue reflejar gran parte del sentimiento que más de uno atraviesa en esa época, es innegable. Quizá se arruina un poco (no demasiado) con la repetición de esos “What are you gonna do, gonna do, gonna do”, que se hacen un tanto frívolos (tal vez esa es la idea, despues de todo). Por cierto, tiene coros gospel que quedan muy bien. Estas dos canciones son imprescindibles, pero lo cierto es que lo demás tampoco tiene desperdicio.

Never Been Sold Before es un hard rock de los de toda la vida, con acompañamiento de bronces a lo Rolling Stones, que bien podría haber ido en Killer, con un Alice Cooper de lo más arrogante proclamando que no volverá a dejar que le vuelvan a vender.

Hard Hearted Alice empieza como una oscura balada con muy buena atmósfera que va en crescendo, sin llegar nunca a estallar completamente, manteniendo el tono tenso, salvo quizá en el estribillo.

Crazy Little Child empieza como una balada, con un buen piano al que se van añadiendo entre otros, trompetas y flautas, llegando a sonar como una big band, dandole una excelente ambientación, que parece sacada de cualquier bar de mala muerte de Nueva Orleans.

“Working Up A Sweat” y Muscle of Love sin ser excepcionales, son dos buenas canciones de hard rock, de las cuales destaco la alegría instantánea de la primera.

Man With The Golden Gun también empieza como un hard rock, pero poco a poco va derivando en una cosa sobredramatizada llena de instrumentos de viento-metal que parece sacada de alguna película de detectives. El hecho es que la idea original era hacerla el tema de la pelicula de James Bond del mismo nombre.

Tras Teenage Lament ‘74, el disco cierra con Woman Machine, quizá la canción menos buena y como despedida del disco (y del grupo) es un tanto ordinaria, pero se salva gracias a… vaya, a que simplemente no es mala. Lo cierto es que tiene un aire muy inquietante que me deja desconcertado a su término… vaya, supongo que eso es más acorde a Alice Cooper que una despedida emotiva en toda regla con su lamento adolescente.

Después de esto se desintegro el grupo. El ultimo respiro del original grupo de Alice Cooper con una disension notoria en el ambiente. La banda estaba cansada de ser el grupo de apoyo para Alice Coopery buscaban ser mas rockeros, y Alice Cooper, pues , aparentemente con la vista puesta en una carrera como solista. Bob Ezrin estaba fuera de la ecuacion y su ausencia fue notoria sonicamente.

Su cantante tomó el nombre de la banda para su carrera como solista, y varios componentes formaron un proyecto del que posteare mas adelante. Este disco muchas veces es olvidado, pero les garantizo que es un gran disco, y si les gustaron considerablemente los cuatro anteriores, este Muscle of Love es una adición obligatoria a tu colección.

En vez de la funda usual, el LP original venia empacado en un carton corrugado que se sentia vacio, como si el carton contuviese algo mas que un disco , con una "mancha" iimpresa intencionalmente en el fondo (mmm, que sera eso de Muscle of Love?).

Bajatelo y disfrutalo aqui.

Lee mis otros posts sobre Alice Cooper aqui.